VINZARTH

New York

Anamorphose – 80 x 100 x 12 cm I 31,5 x 39,3 x 4,7 inches

Porte

Anamorphose – 40 x 100 x 18 cm I 15,7 x 39,3 x 7 inches

Telephone booths

Anamorphose – 41 x 86 x 18 cm I 16,1 x 33,8 x 7 inches

Versailles

Anamorphose – 60 x 118 cm I 23 x 46 inches

 

BIOGRAPHIE

 

Vinzarth commence à se passionner à la photographie, au début des années 80. Il se spécialise dans le domaine de l’architecture et de la décoration. Pendant dix ans, un nouvel univers s’ouvre à lui où il découvre et met en valeur des édifices dans des espaces et des paysages modifiés par l’homme selon des critères précis et fonctionnels.

Nostalgique du continent, Vinzarth revient en France, sous le soleil d’un petit village proche de Monaco. Lors d’une exposition, il découvre une peinture une perspective inversée. C’est le déclic qui lui donne envie de créer des anamorphoses à partir de ses photos.

Après un an de recherche sur les angles de prises de vue, les sujets, l’infographie numérique, le montage et l’assemblage, les premières anamorphoses photographiques deviennent réelles. Attiré, au départ, par les immeubles et les façades des villes, Vinzarth « anamorphose » les quartiers art déco et haussmanniens de Nice. Il travaillera, ensuite, sur des concepts esthétiques comme le quartier de La Défense à Paris puis sur des monuments comme la pyramide du Louvre.

L’envie de s’éloigner du réel et de laisser libre court à son imagination le pousse maintenant à créer ses propres paysages, en 3D, en se servant des couleurs, des sols, des matières du réel. Vinzarth revisite le paysage urbain pour créer des quartiers imaginaires.

MARCELLO

Conquistador

Acrylique sur toile – 90 x 150 cm I 35 x 59 inches

Bugatti t31

Acrylique sur toile – 97 x 162 cm I 38 x 63 inches

BIOGRAPHIE

“Ma peinture est réaliste voire hyperréaliste avec le plus souvent des inclusions iconographiques d’automobiles que je mets dans tous les états et situations possible. Avant de commencer à peindre j’examine des variables quant à la nature des sujets peints, de la forme du sujet principal et la place qui lui est consenti à l’intérieur du tableau. Chaque élément que renferme le cadre a été considéré et enfin adopté pour l’espace qu’il occupe en regard d’autres éléments déjà en place.” – Marcello

Classic trip

Acrylique sur toile – 100 x 200 cm I 38 x 78 inches

Dark sea

Acrylique sur toile – 90 x 150 cm I 35 x 59 inches

Pure water

Acrylique sur toile – 90 x 150 cm I 35 x 59 inches

Trip op

Acrylique sur toile – 90 x 150 cm I 35 x 59 inches

Gas monkey

Acrylique sur toile – 97 x 155 cm I 38 x 61 inches

KLASEN

Container bâché bleu

Sérigraphie, bâche et cordage sur panneau aluminium

130 x 100 cm I 51 x 39 inches

Green car / Red machine with nude

Acrylique sur toile

130 x 97 cm I 51 x 38 inches

Container bâché rouge

Sérigraphie, bâche et cordage sur panneau aluminium

100 x 130 cm I 39 x 51 inches

 

BIOGRAPHIE

 

Peter Klasen est un peintre, photographe et sculpteur allemand, né à Lübeck en 1935.
Maître des contrastes, il est fasciné par l’hostilité de la ville moderne et par les représentations du corps à l’état de marchandise.

De 1956 à 1959, Peter Klasen étudie à l’École Supérieure des Beaux-Arts de Berlin, alors école d’avant-garde. En 1959, lauréat du prix du Mécénat de l’industrie allemande, il obtient une bourse d’étude et s’installe à Paris.

Peter Klasen est, dans les années 60, un des fondateurs du mouvement artistique nommé Nouvelle Figuration ou Figuration Narrative. Il élabore alors un langage plastique personnel : il explore et réinterprète les signes de notre environnement urbain et, plus généralement, de notre société. Il s’intéresse aux images exploitées par les mass média et dénonce, par ses métaphores picturales, l’uniformisation du cadre de vie occidental.

Dans les années 1970, Peter Klasen connaît enfin le succès. Il peint ses « tableaux binaires », fondés sur la représentation opposée d’un fragment de corps humain et d’un objet, peint ou intégré, révélant son angoisse devant la scission des mondes de « l’être » et de « l’avoir ». Il trouve ainsi un équilibre entre ce qui relève du sensuel, et lui paraît agréable, et ce qui appartient au monde industriel, qu’il trouve répugnant.

YVES CESAR ARMAN

Controller Freak

Technique mixte sur toile – 120 x 150 cm I 47 x 59 inches

Fight for Control

Technique mixte sur toile – 120 x 150 cm I 47 x 59 inches

Spaced Out

Technique mixte sur toile – 120 x 150 cm I 47 x 59 inches

Play Date

Technique mixte sur toile – 90 x 130 cm I 35 x 51 inches

Remote City

Technique mixte sur toile – 90 x 130 cm I 35 x 51 inches

Habibi

Technique mixte sur toile – 120 x 150 cm I 47 x 59 inches

Om

Technique mixte sur toile – 120 x 150 cm I 47 x 59 inches

Gamer's Delight

Technique mixte sur toile – 120 x 150 cm I 47 x 59 inches

 

BIOGRAPHIE

 

ARMAN

Arman - Oud Kalthoum

Oud Kalthoum

Bronze, édition originale, 8 éditions + 4 épreuves d’artiste

Epreuve d’artiste 1/4

 87 x 46 x 33 cm I 34 x 18 x 13 inches

Disponible

Arman - Accumulation de vis

Accumulation de vis

Technique mixte

40 x 30 x 5 cm I 16 x 12 x 2 inches

Disponible

Arman - Sliced Figure with Cello

Sliced figure with cello

Bronze

138 x 55 x 41 cm I 51 x 21 x 16 inches

Disponible

Arman - Inclusion tubes de peinture

Inclusion tubes de peinture

Inclusion et résine

52 x 35 x 6 cm I 20.5 x 14 x 2 inches

Disponible

BIOGRAPHIE

|ARMAN|

ARMAN est un artiste reconnu avec plus de 500 expositions personnelles qui lui ont été consacrées. Il a mené une recherche concernant notre rapport sentimental à l’objet, l’attachement à celui-ci, son accumulation, ainsi que sa destruction, telle qu’elle peut s’observer dans sa série de violons calcinés

Armand Pierre Fernandez  nait le 17 novembre 1928, à Nice et grandit dans la boutique d’antiquités de son père. Élève brillant, il commence à peindre à 10 ans et intégrera l’Ecole des Arts Décoratifs de Nice en 1946. A 19 ans, il rencontre Yves Klein et Claude Pascal, qui deviendront ses deux plus proches amis. C’est le début d’une jeunesse exaltée, son intérêt pour la philosophie et les arts d’Extrême-Orient le conduit à l’école du Louvre à Paris en 1949.

De retour à Nice en 1951, son attrait pour la peinture se précise, sous l’influence du peintre russe Serge Poliakoff et de Nicolas de Staël. Il décide, à l’instar de Vincent Van Gogh, de signer de son prénom: Armand. Influencé par les œuvres de Kurt Schwitters et de Jackson Pollock, il s’essaie à la pratique du tampon et expose les premiers à Paris en 1956. En 1958, à l’occasion d’une exposition chez Iris Clert, le peintre remarque une erreur d’impression sur le carton d’invitation: Armand était écrit sans « d ») et cela deviendra sa signature.

Bougeoir aux Cuillères

Bronze – 35 x 43 cm I 13 x 16 inches

Disponible

Le Gambit

Résine – 42 x 27 x 27 cm I 16 x 10 x 10 inches

Disponible

Arman - Inclusion petits ponts

Inclusion petits ponts

Inclusion et résine

42 x 29 x 9 cm I 16.5 x 11 x 3,5 inches

Disponible

Violon à Venise

Bronze – 70 x 30 x 12 cm I 27 x 11 x 4 inches

Disponible

Ukulele

Bronze – 31 x 35 cm I 12 x 13 inches

Disponible

JOY’

Joy - Popy can Love

Popy Can - Love

63 x 33 x 33 cm I 24 x 12 x 12 inches

Bronze

Joy - Marie Antoinette

Popy Can Pop - Maison Meneau

66 x 55 x 30 cm I 23 x 21 x 11 inches

Résine

Joy - Popy can Nrew York

Popy Can - New York

63 x 33 x 33 cm I 24 x 12 x 12 inches

Bronze

Joy - Jimmy Hendrix

Popy Can - Jimmy Hendrix

141 x 67 x 67 cm

Bronze

 

BIOGRAPHIE

|JOY

 

Joy’ est née à Martigues en France en 1981. Depuis sa plus jeune enfance, elle est attirée par l’art et la création. Elle étudie le stylisme et voit ses travaux remporter de nombreux prix et s’exposer dans divers endroits. Après quelques années en tant que créatrice de mode et styliste, voyant ses produits vendus par les plus grandes enseignes, elle décide de se consacrer à l’art, sa véritable passion.

Joy’ se réapproprie la cannette, produit et symbole universel de notre société, pour la sculpter en bronze, l’habiller de couleurs vives et multiplier les références au Pop Art et à la culture rock. C’est l’un des objets les plus reconnaissables dans le monde. La canette est présente sur chaque continent, dans chaque maison, dans chaque main, toutes générations, classes sociales, religions confondues. Le but est toujours le même: la boire et la vider. Mais lorsqu’elle est vide, froissée et pliée, elle continue à exister. Joy’ nous propose de regarder cet objet omniprésent dans notre quotidien d’un point de vue artistique. Entre Pop Art et Nouveau Réalisme, la Popy Can est un trait d’union entre tous car chacun peut s’y reconnaître.

La cannette devient POPY CAN oeuvre d’art terriblement séduisante et heureuse.

Joy - Marie Antoinette

Popy Can - Hokusai top blanc

141 x 67 x 67 cm I 55 x 26 x 26 inches

Peinture et collage sur résine

Joy - Marie Antoinette

Popy Can - Like a bee top noir

141 x 67 x 67 cm I 55 x 26 x 26 inches

Technique mixte sur résine

Joy - Marie Antoinette

Rick & Morty

141 x 67 X 67 cm I 55 x 26 x 26 inches

Technique mixte sur résine

Joy - Marie Antoinette

Marie-Antoinette (Blue)

54 x 30 x 17 cm I 21 x 11 x 6 inches

Plâtre, collage et résine

Joy - Marie Antoinette

Marie-Antoinette (Black)

54 x 30 x 17 cm I 21 x 11 x 6 inches

Plâtre, collage et résine

Popy can Head in the clouds

Popy can - Head in the clouds

33 x 13 x 13 cm I 12 x 5 x 5 inches

Bronze

Joy - Popy can May 68

Popy can - May 68

33 x 13 x 13 cm I 12 x 5 x 5 inches

Bronze

Joy - Popy Can Eternal Love

Popy can - Eternal Love

33 x 13 x 13 cm I 12 x 5 x 5 inches

Bronze